CUBAN JAM SESSIONS VOLUMEN 2
De entrada nos encontramos con el tema CABO E, un detalle no menor, ya que seria la primera vez que se graba en la isla una canción de corte santero compuesta fuera de Cuba, si, CABO E es creación de Richie Ray y publicada en 1967 para el sello Alegre; esto habla muy bien de la grandeza del piano de las américas, y del virtuosismo de los músicos cubanos obviamente, ya que hacer una versión de un tema de Richie Ray no es tarea fácil, quedó fantástica, el solo de piano de Rolando Luna lo sentí como un guiño a Richie.
https://youtu.be/V4frxWcfISw?si=Y0t6b6T8mAAydCFs
ZANJA ALL STARS es la reunión de grandes de la música cubana para disfrutar creando nuevos sonidos, una Jam Sessions; se juntan músicos de la talla de Rolando Luna, Gastón Joya, Ray Fernández y Yoraldi Abreu, solo por nombrar algunos, en este proyecto de Alex Gonzalez, bajo la dirección musical del inmenso trompetista Julito Padrón, integrante principal también del proyecto Interactivo, y con los arreglos alucinantes de Michael Delanian.
https://youtu.be/0UXmkMVZNWg?si=DhIvON7wihaFcINe
Cada uno de sus 9 cortes trae su maravilla y su ritmo, jazz, latin jazz, son montuno, danzón y hasta mozambique, todos con un sonido profundo y casi místico, cada uno con su melodía que impregna y con un solo que sacude y envuelve, es toda Cuba la que te queda en el alma después de cada canción, Changuito debió quedar complacido con este álbum que sirvió también para hacerle un homenaje a su valiosa labor y aportes a la percusión.
https://youtu.be/FIbEAuWwyZA?si=RpdbMWfoRminun-b
No se si Mchael Delanian antes de partir alcanzó a escuchar ya finalizada y editada esta obra maravillosa donde Él fue el arreglista, le digo desde esta tierra que mira siempre al cielo que quedó atómica.
Gracias a Sussy Sánchez por darnoa a conocer esta obra maravillosa.
RAFAEL ITHIER Y LOS VAN VAN DE JUAN FORMELL
Uno de los cismas mas profundos que tuvo que afrontar Rafael Ithier con El Gran Combo de Puerto Rico fue la salida de Andy Montañez de la banda, no era un percance menor, para mediados de los 70s el Gran Combo era una de las orquestas mas populares no solo de Puerto Rico sino de latinoamerica y del barrio latino de New York, y los grandes éxitos que tenía posicionados eran vocalizados casi todos por el niño de Trastalleres, te vas a arrepentir, un verano en Nueva York, y el eterno Las Hojas Blancas, estaban en la boca y en el baile de todos y todas.
Ithier le había dado una nueva identidad a la banda desligándose poco a poco del sonido de Cortijo, pero siempre conservando su esencia, y Andy Montañez junto a Charlie Aponte hacian parte de estos cambios. Para la difícil tarea de suplir a Andy, el adelantado músico que era Rafael se decantó por un muchacho rubio y de ojos claros, muy diferente a los morenos que integraban el Gran Combo y el mismo conjunto de Cortijo.
Jerry Rivas es blanco pero canta como negro diría Quike Lucca cuando lo escuchó por primera vez, y audicionó para Rafael Ithier y empezó en 1977 una historia con el Gran Combo que sigue viva y vigente.
Cómo llegó el disco de los Van Van de Juan Formell a los oidos de Ithier? Obvio no sé, y a nadie se le ocurrió preguntarle, pero es supremamente valioso y significativo que lo primero que grabara Jerry Rivas con El Gran Combo de Puerto Rico fuera un tema de Los VanVan, "Pero que falta de respeto" composición de Alina Torres, que saldría editado en dos elepés vanvaneros, uno llamado Tránsito grabado en España a finales de 1973 bajo el sello Movieplay y el otro con los mismos temas llamado simplemente Los Van Van grabado en 1974 pero bajo el sello Egrem. Lo mas seguro es que a Ithier le llegó la versión española, ya que a pesar de que Cuba y Puerto Rico son de un pájaro las dos alas el embargo impuesto a la Isla cubana impedia el libre flujo melódico en el Caribe.
El debut de Jerry Rivas con el Gran Combo de Puerto Rico se dio con el elepé del 15 aniversario de la Universidad de la Salsa, editado en 1977; el lado A del disco empieza con el tema MOFORIBALE AL TAMBO, una vieja guaracha cubana de Horacio de Lastra, que interpreta Charlie Aponte, y en segundo lugar está "QUE FALTA DE RESPETO" de Alina Torres, interpretado por Jerry Rivas. En ambos casos los compositores aparecen como derechos reservados. Los arreglos impecables a cargo de Rafael Ithier le imprimen el sabor inconfundible del Gran Combo, es una buena versión la lograda por Ithier de este tema vanvanero.
Resulta también signficativo, que una banda venezolana hiciera también una versión de "Pero que falta de respeto", y mas aún que el elepé donde lo graban fuera titulado con el nombre de esta canción. El disco fue publicado en 1982, y se hace aún mas valiosa esta versión ya que cuenta con la vocalización del tremendo sonero venezolano Joe Ruiz, los arreglos son mas experimentales muy en la línea de los Van Van, que siempre iban un paso adelante en la inonvación musical.
Que bonito saber que Los VanVan llegaron a oidos tan valiosos y cautivaron con su inmovadora forma de proponer nuevos arreglos y nuevas formas de escuchar la música cubana.
RETRATOS DE JAZZ Y NG LA BANDA
Extrañamente Murakami no es un apellido desconocido para los salseros, los que dieron un paso adelante hacia el sonido de los 90s al leer MURAKAMI recuerdan uno de los álbumes más valiosos de la timba, obra del genio José Luis Cortés, el Tosco, me refiero al album Échale Limón de 1992, con NG LA BANDA.
MURAKAMI's Mambo y Danzón Rio Sumida, composiciones de El Tosco, fueron un regalo de agradecimiento al Japón, país que acogió a NG LA BANDA con un afecto casi latino en su gira nipona, y donde también grabaron el álbum Échale Limón incluyendo estos dos legendarios temas homenaje. Ryu Murakami, el Murakami que conocemos los salseros, es uno de los japoneses mas entusiastas de la música cubana, ha sido productor de grabaciones como la de NG LA BANDA, asi como productor de recopilaciones de música cubana que se han caracterizado por su alta calidad de sonido y por rescatar grabaciones olvidadas de grandes de la música contemporánea de la isla que inventó el son.
Pero bueno, íbamos a hablar del otro Murakami, de Haruki el eterno candidato al nobel que además es un gran melómano del jazz y comparte la melomanía con Ryu pero no sabemos si son familia, quizás Murakami solo sea un apellido muy común en Japón como Pérez en Colombia.
Murakami, el escritor, ha sido un gran escucha del jazz desde sus tiempos de estudiante y alguna vez visitó una exposición llamada Jazz del pintor Makoto Wada, otro melómano, que correspondia a retratos de 20 grandes figuras del jazz; de esta exposición, y luego de otra llamada Sing también de Wanda, se inspiró Murakami para escribir RETRATOS DE JAZZ. Es decir que Wada escogió los artistas y Murakami escribió para cada uno de ellos una reseña breve e íntima, Wada pintó solo dos nuevos artistas para el libro como bonus track, Art Pepper y Gil Evans.
Cada texto que acompaña los retratos de Wada es en parte el relato del momento del encuentro de Murakami con el músico y su música, todos a través del vinilo; nos cuenta Murakami como le impresionó cada melodía, cuales canciones quedaron adheridas como banda sonora a sus recuerdos, dejándonos también valiosas recomendaciones musicales de cada artista. Relata brevemente la vida, no pocas veces trágica y corta, de cada artista del jazz, su genialidad acompañada de marginalidad, ya que el jazz como la salsa son expresiones germinadas en la calle y la pobreza, con la raíz principal en África, el jazz con un componente afro mas fuerte que en la salsa, ya que en el jazz los músicos blancos eran la excepción.
Murakami nos confirma que somos los melómanos una colcha de recuerdos cosidos por melodias, y en este caso la colcha esta adornada por los retratos atómicos del jazz de Makoto Wada.
Nov-13-2025UN DIA BONITO
Fue el sábado 18 de octubre llegando al medio día, no era la una aún; confieso que cuando pongo la radio escucho rock, pero esta vez quise sintonizar una emisora de salsa, lo evito si, me molesta que programen los mismos cinco discos de un artista siempre, en los tiempos del walkman siempre llevaba un cassette, y solo colocaba la radio para escuchar los programas salseros de los sábados en las emisoras universitarias. Los audífonos son casí una obligación para el melómano para no perder ese contacto con la melodía que siempre nos debe acompañar, un camino largo o corto debe ser con los audífonos puestos.
Eddie Palmieri nunca ha sido un artista comercial, desde hace varias décadas quedó detenida su discografía para la radio caleña, suena ajiaco caliente y hasta ahí (quizás palo pa' rumba?), eso es increible, ni siquiera lo que hizo con La India mereció ser transmitido por la frecuencia modulada. Para los melómanos si ha sido de culto lo hecho por Eddie, desde sus gruesos montunos con la voz de Pat Quintana, hasta la exquisites y contundencia de su latin jazz, siempre llenó los escenarios cuando se presentó en Cali.
Volviendo al bonito día del 18 de octubre con el sol del medio día obligándome a buscar sombrita, caminaba por la acera, cambié del rock a La Máxima solo por unos segundos ya que estaba a cuatro pasos de la "jaus"; se escuchaba en la emisora el susurro de un tema que estaba terminando y que no logré identificar, luego, un segundo después, el sol retumbó en mis oídos, la limpia y brillante trompeta de Víctor Paz me liberó del sopor matinal con un golpe fuerte y fresco como la cascada de agua que se estrella en las piedras de la Chorrera del Indio.
Fue entre 1987 y 1988. Gary Domínguez tenía un programa en la radio los lunes en el precioso horario de 11 pm a 1 am en una emisora que creo estaba en el mismo dial de la Máxima, Bienvenida Stereo se llamaba, creo, a estas alturas muchas cosas se vuelven conjeturas, el programa se llamaba Raza Latina, y allí fue la primera vez que escuché la brillante trompeta de Víctor Paz seguida luego por el piano rudo de Eddie Palmieri, de eso si estoy seguro. El formato del programa era como el de las audiciones de la Taberna Latina, la discografía de un artista, sus canciones y las historias detrás de ellas. Y en una de esas noches de lunes sonaron completos los 14:20 minutos del tema de Eddie Palmieri.
Eddie Palmieri fue el primero en ganar un Grammy a la música latina, categoría creada en 1975. Los nominados eran pesos pesados en la salsa de nueva york, entre ellos estaban Willie Colón con El Bueno, El Malo y el Feo (indirectamente la primera nominación de Ruben Blades), Ray Barretto con el álbm Barretto, La Fania All Stars con su concierto del Yankee Stadium y Mongo Santamaria con AfroIndio. Realmente cualquiera de ellos merecía el Grammy, grabaciones llenas de calidad y sabor, el sello Fania dominaba el ambiente, y se esperaba que una de sus producciones ganara el Grammy, pero THE SUN OF LATIN MUSIC bajo el sello COCO RECORDS fue la que quedó en la historia por marcar este primer hito.
Mientras abría la reja del antejardín la trompeta de Víctor Paz brillaba en mi oído, la ola de recuerdos pasaba mientras Eddie Palmieri arremetía en el teclado y empeza a acompañar Eddie Guagua con su contrabass. La segunda parte de UN DIA BONITO de Eddie Palmieri se desarrollaba plena en una emisora de radio comercial mientras entraba a la "jaus" y me recostaba en el sofá, sonaron los 6:11 minutos completos y sin cortes, la voz diáfana de Lalo Rodríguez y el inmenso solo de conga de Tommy López inundaron el espacio mientras mi gato buscaba la forma acomodarse a dormir a mi lado.
Fue un día bonito.
Oct 28-2025
SEMILLA DE AMOR
Los arreglos de Francisco Zumaqué en SEMILLA DE AMOR son totalmente épicos, una filigrana de notas acompañadas desde el intro por violines y la trompeta de Juancito Torres.
Un homenaje a la vida, a la Semilla de amor, esa que florece, que une y que trae alegría, la pasión que en un hijo se cristaliza.
Una elegía de siete minutos, una prueba de la libertad para experimentar que hubo en la Fania, una prueba de la genialidad de Zumaqué elevando a la salsa a un nivel clásico, y una prueba del virtuosismo de Juancito Torres que lo llevó siempre a estar en momentos estelares de la salsa.
Semilla de amor es un tema de largo aliento que va aumentando su tempo, donde tambien Lavoe se da la libertad de ser profundo, profano e irreverente. Pero a pesar de los magistrales arreglos, o quizás a causa de eso mismo, nunca suena en ningún lado, ni en la radio, ni en las audiciones, y ahora que son con énfasis en montuno y guaguancó mas dificil aún; esta obra maestra de la salsa arreglada por Francisco Zumaqué ha quedado para ser escuchada y maravillarnos solo en espacios pequeños con melómanos y melómanas curiosos e inquietos que recorren cada surco arado en los vinilos para descubrir melodias memorables y marvelous como la semilla de amor.
La carátula del elepé LATIN CONNECTION de 1981, de la FANIA ALL STARS, donde se grabó Semilla de Amor, hace una referencia directa a como varios paises latinoamericanos surtían de drogas a Estados Unidos, a New York, al bronx, al barrio, y desgraciadamente a los músicos, a Lavoe; por fortuna Zumaqué con su genialidad, dejaba impreso en el elepé el talento que también florecía por estos lados, que también la semilla de amor daba buenos frutos en esta tierra.
2025-sep-05SALSA EN LOS LLANOS
En el lugar mas improbable para escuchar SALSA John Jairo Usme se inventa un festival de SALSA, "San Martin en su SALSA". San Martin de los Llanos con sus calles anchas y grandes parques queda en el Meta, en el territorio donde el maravilloso folklore llanero con su joropo, el arpa y el sol al atardecer sobre el llano son suficientes para hacer feliz al ser humano.
Y hasta San Martin de los Llanos, llegan salseros de la montaña, del altiplano, del valle, de todas las corrientes y de todos los accidentes geográficos, con el único pretexto de oir, bailar, disfrutar y hablar de salsa; y no solo estamos los que disfrutamos la SALSA, también John Jairo Usme se ha procurado llevar a los que han hecho la salsa, para rendirles su homenaje o simplemente para que nos cuenten sus historias sobre su vida en la SALSA. En esta ocasión el invitado especial en "San Martin en su Salsa" es Francisco Zumaqué uno de los músico mas valiosos que ha dado esta tierra colombiana, con muchas historias que contar alrededor del movimiento salsero, y mas aún ahora, ya que fue protagonista principal en uno de la álbumes mas importantes que grabaría Eddie Palmieri.
Larga vida a esta integración salsera, ya en su novena edición, que al golpe de la clave siempre los acompañe.
Agosto 9-2025
CARA DE PAYASO
Cuando se pensaba que ya todo estaba escrito y cantado con el tema CARA DE PAYASO, en la primera década del nuevo milenio se graba quizás la mejor versión salsera de este clásico de la música latina.
Dicen que fue a petición del cantante brasileño Ivon Curi que los tremendos compositores Haroldo Barbosa y Luiz Reis realizaron esta composición de corte divertido pero también con un sabor melancólico, la traición en el amor que siempre deja la cara llena de colores. El tema fue compuesto en 1961, por el mes de marzo se lanzó al mercado en ritmo de samba, fue tanto el éxito de Palhaçada, su nombre original, que para fines de ese mismo año ya se habían grabado diez versiones de este temón, y al año siguiente ya sonaba en toda América.
Dentro de la maraña de versiones de Palhaçada que se grabaron en Brasil solo en su primer año de lanzamiento la que mas se destacó fue la que hizo Miltinho, su voz perfecta y dulce caló precisa en este tema lleno de desvelos de amor; si resulta extraño que Miltinho, un cantante también exitoso en latinoamérica y que grabó muchos de sus temas en español nunca hizo una versión de Palhaçada para el payaso y el melómano hispanohablante.
Pero bueno, Dios sabe como hace sus cosas, y en este caso se aplica perfecto, ya que la versión en español de Palhaçada vendría de alguien que también haría la versión en español del villancico Noche de Paz que tanto cantamos en las novenas en diciembre, su nombre: Moisés Smolarchik Brenner, nacido en Argentina, hijo de inmigrantes polacos, quien para que lo tomaran en serio inventó el seudónimo Ben Mollar para sus composiciones, y bien que lo tomaron en serio por que Ben se convirtió en uno de los grandes impulsores de la música en su país en especial del tango.
Ben Mollar, muy recién salido el tema Palhaçada en Brasil, hizo una adaptación perfecta al español sin perder la línea melódica ni la esencia de la canción a la cual llamó Cara de Payaso, la cual fue interpretada por primera vez en este idioma por el cantante chileno Antonio Prieto, ambas versiones llegaron a Nueva York donde la música brasilera estaba flotando en el aire; debido al embargo de Estados Unidos a Cuba que inició a finales de 1960, el lazo musical que unía a estos dos países se rompió, dando espacio a que nuevas sonoridades se tomaran las calles del Barrio Latino, en especial el Bossa Nova, el nuevo ritmo que estaba cocinándose en Brasil. Fue así como en esta efervescencia del Bossa Nova, y de la música brasilera en general, varios músicos latinos que estaban creando eso llamado salsa a principios de los 60s lanzan producciones con versiones en clave de temas de bossa nova: Tito Rodríguez y su Let's Do The Bossa Nova, Tito Puente & His Orch. con Bossa Nova By Puente, por citar un par de ejemplos, incluyendo dentro de sus grabaciones una versión de Cara de Payaso.
Y Cara de Payaso también la versionaron Joe Quijano estrenando a Paquito Guzmán como vocalista, Ismael Rivera con Cortijo, Miguelito Valdes acompañado de la orquesta de Machito, con un largo etc de versiones, donde me imagino habrá una en formato de guaguancó hecho en el Perú, y como en el caso brasilero una versión fue la que sobresalió sobre las demás, la del inmortal Tito Rodríguez, inclusive sobrevivió a las que se grabaron muchos años después. Tito Rodríguez, quien dominaba con altura tanto los temas festivos como los boleros mas tristes, le imprimió el carácter que le había dado Miltinho a la versión brasilera, pero le dio el tono bailable que en muchas ocasiones vuelve a los discos eternos, y más en Cali, que tema que se baile se queda forever.
Todas las versiones en general se apegaron al estilo de lo hecho por Miltinho y Antonio Prieto, agregando al final un coro, con sus respectivos pregones, se destaca la del Rey Maelo, que siempre tuvo su propia interpretación a la hora de enfrentar un verso y un pregón.
Pero llegaría un punto de quiebre, una versión que rompería con todo lo antes grabado.
En el 2007 y bajo el mítico sello Cacao de Venezuela, se graba quizás la.mejor versión de Cara de Payaso, una version que rompe con el estándar de esta composición llena de penas de amor y le da una revancha a todos a los que cupido los ha tratado como payaso de fiesta infantil.
Bajo Cacao Alfredo Naranjo, un genio del vibrafono, de la composición y los arreglos, graba su álbum Alfredo Naranjo y el Guajeo, bellamente editado, como todo lo de Cacao, un álbum que se convirtió de inmediato en un clásico y casi obligado en la colección del melomano.
El arreglo que hace Alfredo Naranjo de Cara de Payaso es brillante, expone el tema con su letra original y lo abandona rápidamente saliéndose del patrón tradicional, descargándose en un montuno que va increscendo hasta su final. La parte vocal la hace uno de los grandes soneros de Venezuela, el máster Edgar "Dolor" Quijada, quien hace una intrepretación fantástica y le da una nueva identidad a este tema, sobre el nuevo coro que le inventan en esta versión, "devuélveme mis peroles", Dolor enfrenta el montuno con pregones bien trabajados y que se nos quedan grabados en ell hipotálamo, reivindicación a los payasos, por que el amor nos da el desquite en algún momento.
Pasarían más de 40 años para que alguien reinventara Cara de Payaso.
2025-ago-01
PAYASO - NELSON Y SUS ESTRELLAS
La muerte de Nelson González, director de NELSON Y SUS ESTRELLAS, me llevó a los más remotos recuerdos de mi niñez, cuando mis dominios no iban más allá del antejardín de la casa materna forrado en pasto chino y con una veranera que siempre la recuerdo florida saludando a todo el que nos visitaba.
La vida pasaba lenta, en las tardes, mi madre se sentaba conmigo a mirar la gente pasar mientras nos tomábamos un cafecito con pandebono, yo solo miraba alelado a las avispas salpicando los charcos qué quedaban en la calle sin pavimentar después de la lluvia .
En la casa siempre había un radio prendido, o una radio prendida, anyway, se escuchaban noticias, radionovelas para pasar la tarde, y en las noches yo sintonizaba en el AM programitas musicales, y me quedaba siempre en uno que sonaban pop y música disco, era fantástico, sonido monofónico si, pero cada disco era un descubrimiento, la música negra empezaba a colonizarme para quedarse por la eternidad.
Por esos primeros días mi padre llegó con un radio nuevo, pero tenía otro nombre, - Es una radiola mijo, porque también sirve para sonar discos, dijo mi padre emocionado. Ya este nuevo aparato tenía su género definido, era una radiola, en femenino, tenía un plato que giraba y sobre el cual se colocaban los discos qué a través de un misterioso mecanismo que empezaba por una aguja llevaban el sonido a los parlantes.
Días después llegó mi padre con varios discos, todos de 78 rpm, me llevó hasta la radiola pegada a la pared de la sala, le quitó el florero y la cubierta de lana que mi mamá había tejido durante varios días cuando mirábamos gente pasar por la calle, levantó la tapa y colocó el vinilo a rodar, cogió la aguja y la puso sobre el surco inicial y empezaron a sonaron los arpegios del piano del primer disco de salsa que recuerdo haber escuchado en mi vida, lleno de nostalgia y alegría, mezcla única en la salsa, sonaba EL PAYASO de NELSON Y SUS ESTRELLAS.
Queremos ver
la cara
que pones
payaso
cuando acaba la función
y te marchas con tu amor
2025-05-30
MODO VAN VAN - FORMELL Y LOS VANVAN - 2024
Un poco tarde, pero soy melómano de la vieja escuela, y cuando hay la oportunidad de tener un álbum en el medio físico, ya sea CD o elepé, prefiero esperar a tenerlo para escucharlo, saborearlo y comentarlo, antes de oirlo en "el yutú". Y así fue con MODO VANVAN, producción del 2024, que por azares del tiempo, el implacable, solo por estos días me llegó en CD y entonces me dediqué a escuchar a la banda que revolucionó la Charanga desde hace mas de 50 años en su mas reciente producción musical.
El álbum MODO VAN VAN, es un trabajo conceptual, como los que ha por ejemplo Gerardo Rosales con Salsa Mundial, su desarrollo, desde su carátula y obviamente su música, gira alrededor de una temática totalmente actual: las redes sociales.
MODO VAN VAN es a su vez un homenaje a Juan Carlos Formell, cuyos últimos minutos de vida fueron en el escenario, afincando el songo con la banda en el mes de mayo de 2023. Por eso la carátula es representativa, es la imagen de un celular, que ahora contiene todo nuestro mundo social, y que tiene como salva pantallas un contrabajo, el contrabajo de Formell, Juan Clímaco y Juan Carlos.
Eran ya cuatro años sin novedades musicales, el último lanzamiento vanvanero había sido el del 50 aniversario, MI SONGO, que además de la celebración de las 5 décadas "por encima'el fuego y sin zapatos", tiene dos curiosidades, una más relevante que la otra, la primera, la de ser hasta ahora la única producción sin ningún tema nuevo, y este no es un detalle menor, ya que una de las virtudes más valiosas de Los Van Van es la de siempre lanzar temas nuevos en cada grabación e incluir uno que otro tema propio totalmente renovado; en este caso hace un recorrido de sus grandes éxitos con el acompañamiento de grandes figuras de la salsa y de la música cubana. La otra curiosidad, que obviamente se da con el lanzamiento de esta producción, es ser, MI SONGO, la última grabación donde aparecería un miembro fundador de Los Van Van, el güiro de Julio Noroña.
Terminaba una era.
Con la facilidad de los cubanos de darle sabor musical a todo, Los Van Van cantan por ejemplo "Búscalo en facebook, súbelo a Youtube", en Bla Bla Bla, composición de Roberto Hernández "Guayacán", quien también lo vocaliza, que describe el uso que le damos a las redes sociales, donde "se ven las caras pero nunca el corazón", los pregones impecables y bien trabajados de Robertón intercalados en los cuatro coros de este songo, lo convierten ya en uno de los que mas se nos quedará en el oído melómano:
"tengo la bendición de Juan Formell
y el cariño de todos los cubanos,
y como si fuera poco,
tengo el grammy americano
en la mano"
Además de Bla, Bla, Bla, los otros temas que abordan el tema de las redes sociales son: Modo VanVan que le da nombre al álbum y que hace un guiño musical a "se enciende la candela", Tienes que parar y Solicitud de amistad, que es de los mas pegados en mi Cali, cuyo video en parte se grabó aquí en esta ciudad vanvanera forever, y que una de sus estrofas termina con esta frase:
"como estandarte lleva a Silvio y te doy una canción"
Los VanVan siguen fuertes y contundentes con su base percutiva llena de songo, sus trombones que enamoraron a los salseros y sus violines charangueros, un sonido que no se quedó estancado, que se actualizó sin perder su semilla que nació en el monte, porque "mientras mas viejo es mi songo, mas duro te la pongo" como dice el coro que usaban en "el tren se va" en concierto, y que lo agregaron como nuevo coro en la versión actualizada que hace VanVan en MODO VAN VAN del tema "Canta la ceiba", un clásico vanvanero de 1986, con un solo de timbal que renueva Samuel en el 2025 y que canta el termendo Mandy Cantero, quien también interpreta "Ven dame un abrazo", quizás el mejor tema de este álbum lleno de temas sabrosos, composición del flautista Jorge Leliebre, que lleva el sabor vanvanero de la vieja escuela, y un mensaje de amor y de fraternidad, que es el mensaje que siempre lleva VanVan en su música:
"la lección llega un buen día
en este plano de vida
ser buen padre, buen amigo
buen esposo y buen hijo,
quien te ayuda no se olvida
traicionar no es positivo
diles te amo y dale besos
a tus seres queridos en vida"
Ven dame un abrazo, que ya llegué.
Los Vanvan 2025:
Dirección Musical: Juan Formell
Batería y timbales: Juan Formell
Bajo y Baby Bass: Juan Carlos Formell
Piano: Efraín A Chibas.
Teclado: Boris Luna
Congas: Eduardo Silveira
Guiro: Julio Noroña (hijo)
Flauta: Jorge Leliebre
Violin: Irving Frontela
Violin Ricardo Labrada
Trombón: Alvaro Collado
Trombón: Ivanovi Garzón
Trombón: Hansel Woo
Cantantes:
Vanessa Formell
Roberto Hernández "Robertón"
Abdel Rasalps "Lele"
Armando Cantero "Mandy"
coros:
Angel Bonne
Vanessa Formell
Mandy Cantero
Jorge Leliebre.
2025-Abril-26
Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorkino - Lo Dice Todo
A mi que nada se me olvida se me estaba olvidando que tenía guardado este regalo de un tremendo melómano caleño, el segundo álbum del Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorkino, "Lo dice todo", grabado entre el 23 y 25 de marzo de 1976, una versión ampliada del Conjunto Libre, una Libre & Friends podría decirse. Una carátula pirata me removió los recuerdos de una de las joyas del movimiento salsero.
La idea del Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorkino era la de ser una alternativa para explorar y profundizar en los ritmos afrocubanos y latinos con más libertad y sin el concepto comercial que estaba abrigando al sello Fania, el todopoderoso de la música Latina en New York por esos días.
Se volvió en un elepé de culto y logró capturar un momento valioso de la cultura latina del barrio nuevayorkino con músicos que seguirían aportando mucha cultura melódica en las décadas posteriores.
Aunque el álbum Concepts In Unity del Experimental había salido un año antes, llegué primero, y tarde, al álbum "Lo dice todo" por el tema Se Me Olvidó, una obra de arte, sencillo y fantástico.
la magia de Se Me Olvidó empieza con el toque de conga de Virgilio Martí aprendido en sus primeros años de rumbero en su natal barrio Cayo Hueso en La Habana, se une luego Milton Cardona con la clave para recibir a Andy González en el bajo y a Alfredo de la Fe uno de los violinistas mas importantes del movimiento salsero, dándole siempre protagonismo y modernidad a su instrumento. Martí hace una interpretación perfecta de "se me olvidó que te olvidé" llevando a la rumba afrocubana una balada salpicada de bossa nova escrita por Lolita de la Colina.
Y llegué tarde si, porque "se me olvidó" lo conocí casi 20 años después, alrededor de 1996, quizás en un encuentro de melómanos en diciembre, y luego en 1998 compré una edición que salió en CD, bien lograda, le metí oido a todos los tracks, es un álbum que se deja oir sin cansancio, 8 cortés cada uno con su tinte y su color latino.
Corta el Bonche fue el otro tema que me subió la adrenalina, versión jazzeada de una guaracha grabada en Cuba en 1947, y de la cual haría una versión Tito Puente; en esta versión Willie García asume la parte vocal, Oscar Hernández uno de los grandes pianistas de la salsa, arranca el tema, definiendo desde el principio la tonalidad jazzeada del arreglo, luego mete un pequeño solo de piano después de los soneos de Willie. Se resalta la inmensa flauta de Gonzalo Fernández, quien recorre todo la extensión del tema de mas de siete minutos de duración, tanto así que lo podemos dividir en dos tiempos; el primero tiempo con el intro de Óscar y los soneos de Willie, y el segundo tiempo es una extensa descarga de timbales de Manny Oquendo que nos lleva hasta el final con la envolvente flauta de Gonzalo. Es un momento épico de la salsa.
El Grupo Folklórico y Experimental nos lleva al mismo Brasil con Ao Meu Lugar Voltar, y a la misma Habana con Dime la Verdad, un son tradicional vocalizado por Marcelino Guerra, y con la trompeta dulce de Chocolate Armenteros.
La carátula del CD de 1998 es un despliegue de instrumentos musicales sobre una fondo gris con un motivo africano, nunca le presté demasiada atención la verdad, detallé mas el art work cuando me regalaron el elepé, son los mismos instrumentos, dispuestos de la misma manera, pero el fondo es más colorido, una especie de paisaje desértico con dos bocas abiertas, una grande con labios rojos, y otra más pequeña a blanco y negro. El arte fue una idea de Jose "Yogi" Rosario, diseñador gráfico quien también fue el encargado de carátulas tan recordadas como la del álbum SABOR de Angel Canales, o el álbum SOY FELIZ de Ismael Rivera.
Tuvo que ser a mediados de los 80s cuando la salsa y el vinilo reinaban en esta Cali llena de salseros cuando la carátula del álbum Lo Dice Todo volvió a emerger. La piratería musical ya existía antes del mp3 y el CD. La mas común era copiar en cassettes los elepés, uno acudía a las salsotecas temprano, y en "tiempo real" mientras te tomabas una cerveza te grababan directo del elepé la melodía que iba llegando, y te la pasabas luego las semanas siguientes pegado del walkman con la melodía en tus oidos.
La otra forma de piratería, mas sofisticada si, era copiar los vinilos en otros vinilos, usar un vinilo original como matriz y luego mediante una "copiadora de vinilos" crear vinilos nuevos; es claro que la calidad del sonido tenía un detrimento en el proceso de copiado, ya que todo además de analógico era artesanal, y las copias no eran perfectas como lo es ahora en el mundo digital, los factores físicos externos afectaban de manera importante estas copias vinílicas. Creo que eran mas eficientes las copias que se hacían en cassette.
Volviendo a LO DICE TODO, su caratula era muy "copiable", muy limpia y llamativa, solo en la parte superior aparecía impreso el nombre de la orquesta y al lado el nombre del álbum, dejando el resto de la imagen libre para que un sello pirata lograra la carátula de sus piratas ediciones sin mayor esfuerzo del diseñador gráfico. Y efectivamente con la carátula del segundo álbum del Grupo Folklórico y Experimental salieron los vinilos piratas de la serie VIEJOS PERO BUENOS, con mas de 20 volúmenes, bajo el sello CIR Records "Corporation International Records" que colocaba como sede una dirección en Nueva York, pero lo que se decía en el underground melómano era que se imprimían en una fábrica clandestina entre la recta Cali - Palmira.
El mercado de estos vinilos piratas estaba integrado por melómanos como nosotros, sin chavos pero con el oído inquieto, pequeños rumbeaderos donde se necesitaba tener el tema que sonaba en la radio únicamente y los discómanos que vivían de sonar música en toda fiesta de casa, y que llegaban con su caja de elepés para amenizar, los discos piratas les ahorraban dinero y espacio por que eran una clase de compilados con los éxitos del momento; y si, tenían que llegar con su caja de elepés, o cassetes, porque así era la vida análoga bros, si no tenías el vinilo no tenías la música, ahora toda la música está a un click de distancia.
Marzo 24 de 2025.
RUBEN BLADES - FOTOGRAFIAS (2025)
Se respira SALSA DURA en el recién publicado álbum de Rubén Blades con Roberto Delgado y Orquesta: FOROGRAFÍAS, se compone de ocho temas, de los cuales 7 son escritos por Rubén Blades y uno, El Palenquero, es de la pluma de uno de los grandes cantantes cubanos de los años 50s, el gran Abelardo Barroso, tres temas son inéditos y cuatro ya habían sido grabados anteriormente por otras bandas.
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FOTOGRAFÍAS, es el primer tema y el que le da el nombre al álbum, fotografía "testigo mudo de lo que fue y que ya no volverá". composición de Blades con los arreglos de Roberto Delgado, le entrega ese misticismo que tenían las fotos y que, como la música, se transformó en lo trivial con la llegada del internet; la fotografía, una solo oportunidad para ser tomada, envolvía la expectativa y convocaba reuniones solo para verlas días después de tomadas, ahora todo es mas frio, mas distante, es un chat grupal para compartirlas. "lo que el tiempo se llevó quedó en la fotografía", tema lleno de nostalgia, la fotografía como la música perdieron mucho de romanticismo.
Luis Perico Ortiz hace los arreglos de EMIGRANTES, el segundo tema del álbum composición de Rubén Blades, que toca el triste tema de los que se van, casi siempre obligados, para "crear rumbos que les ha negado la maldad". Blades un emigrante mas, rechazado muchos años por la Fania a pesar de haber demostrado sus genialidad, y luego le abrieron las puertas al sello solo para aprovecharse de todo su talento, "no es fácil dejar la tierra, el sitio en que uno nació". recuerda Blades los que se van a buscar futuro por el camino del Darien, plantación adentro. Nos deleita Perico con un pequeño solo de trompeta, "yo no me fui porque SI, la situación me obligó", frase sencilla para describir este drama.
En 1983 Johnny Kenton grabaría La Barricada, composición de Rubén Blades, quien la incluye en este nuevo álbum, con los arreglos de Roberto Delgado bajándole un poco el tempo, ya que Kenton va a mil con los arreglos que le hizo José Febles. Si hace 40 años ya la falta de tiempo era uno de los males de la sociedad, ahora que se podrá decir cuando aceleramos conversaciones a 2x para que rinda el día, para poder absorber la realidad y las fake news que llegan por las redes inundándolo todo, una barricada para poner límites es lo que necesitamos.
Un son montuno, eso es "Hoy por ti (mañana por mi)" , composición de Blades con los arreglos magistrales y superlativos de Luis "Perico" Ortiz , pasa del montuno al sonido de big bad de manera limpia y contundente, el tema más largo del álbum. Este tema es como "sorpresas" para "Pedro Navaja", pero no es la segunda parte de Cipriano Armenteros, sino la tercera, otro son montuno compuesto por Blades para Ismael Miranda quien lo grabaría en 1975 con los arreglos de Louie Ramírez, y quien también grabaría Vuelve Cipriano en 1977 con la pluma de Blades. Hoy Por Ti cuenta lo que pasó a Cirpiano después del tropel que tuvo con los españoles en su regreso a sus andanzas criminales, aquí nos enteramos qué logró esvapar montando en su caballo Flor de Viento. Como en el tema inicial de Cipriano interpretado por Ismael Miranda, este temón trae su solo de tres interpretado por Jorge Sanz "camejito" del grupo Azabache de Cuba, que acompaña en este tema. Medoro Madera hace una pequeña aparición aquí.
"Eso es amar" una composición de Blades que el mismo interpretaría con la banda de Ray Barreto en 1975 para el mítico álbum Guararé, con los arreglos del pianista colombiano Edy Martínez. Siento una voz mas cálida en la versión que hace Blades para FOTOGRAFÍAS con los arreglos de Tom Kubis, además del acompañamiento de big band que le hace Roberto Delgado, bello bolero, ver nacer esperanzas en cada nuevo amanecer, eso es amar, eso es querer".
En 1976 se vuelven a reunir Larry Harlow e Ismael Miranda para grabar el álbum "Con mi viejo amigo" donde se graba por primera vez el tema "Señor Botánico" con los arreglos portentosos de Louie Ramírez. Ruben Blades lo retoma y lo vuelve a grabar en FOTOGRAFIAS, un tema de corte romántico con los arreglos de Roberto Delgado.
"La belleza del son" fue un rotundo éxito del Bobby Valentín, que lo grabaría en 1978 para el álbum Musical Seduction con la voz eterna de Johnny Vásquez. Ya Ruben Blades lo había interpretado con la Banda del Bobby Valentín cuando este lo invita a grabar en el álbum ¡En Vivo! 35 Aniversario - Vuelve A la Carcel del año 2002. En FOTOGRAFÍAS se retoman los arreglos del Bobby Valentín con algunos ajustes que le hace Roberto Delgado. Se siente el tremendo sentimiento que Blades le da a este tema, un clásico de la salsa.
FOTOGRAFIAS cierra con EL PALENQUERO, de la pluma de ABELARDO BARROSO, donde Rubén Blades le da oportunidad a Medoro Madera para que nos entregue sus dotes de sonero. Este tema ya lo había grabado "Medoro" en el álbum que haría Rubén Blades en el 2018 llamado Medoro Madera.
Nos devuelve Rubén Blades la fe en la salsa con este trabajo, lleno de buenas letras, buenos arreglos y buena melodía, no se ahorra Blades nada en este álbum, nos presenta la salsa dura con la sonoridad del siglo XXI, reflejo de su espíritu joven e innovado, cosechando todo lo que ha sembrado: "siembra, siembra y tu verás, siembra, siembra y tu va'vé".
SONIDO URBANO EDGAR BORGES
SONIDO URBANO, el programa de radio empieza a transmitir desde Caracas el 4 de marzo de 1989, lo dirige el escritor y melómano Edgar Borges, y en 1992 reúne sus guiones, escritos de prensa, y otros cuentos, y los publica bajo el nombre SONIDO URBANO / Calle, Salsa y Cuentos, al igual que el programa de radio, su libro está lleno de mucha salsa, mezclando sus letras con sus relatos, llenos de calle, de dureza y de realidad.
Edgar Borges, nació en 1966, y empieza a cimentar su amor literario de la mano del escritor colombiano Norberto Díaz, para 1985 viaja a Nueva York con la colaboración del tremendo percusionista José Mangual Jr. y comienza a investigar sobre "los motivos que permiten la creación de la música afrolatina".
En la dedicatoria del libro, escribe Edgar: "A todos los barrios de América Latina, pues a mi modo de entender las cosas, son ellos la base inspiradora de la mejor salsa. En nuestros barrios se comparten con sinceridad, dos sentimientos tan necesarios, como son la alegría y la tristeza...".
Muchos temas salseros son historias completas comprimidas en los surcos de un vinilo, SONIDO URBANO, lee estos surcos y los transforma en partes de sus cuentos, que obviamente son de ciudad por que no hay nada mas urbano que la SALSA.
sep-2024
KIND OF BLUE - JUAN CARLOS GARAY
Desde su portada, el libro KIND OF BLUE nos empieza a regalar información sobre KIND OF BLUE una de las producciones imprescindibles para el mundo del jazz, de Miles Davis, grabada en 1959.
El libro KIND OF BLUE de Juan Carlos Garay se lee en una sentada, si, en una sentada larga de esas que tenemos los melómanos cuando hablamos de un disco tomando cerveza y con la carátula del elepé en la mano, tocándola y mirándola como si hubiera un mensaje oculto que no hemos descubierto, como queriendo atrapar los recuerdos que se anclan siempre a los vinilos que conservamos.
Y en el libro, como en la charla, se va desarrollando una tertulia que nos entrega, sin que se sienta una bibliografía, todos los datos vitales del álbum KIND OF BLUE, cada uno de los participantes en la grabación, las fechas de reunión en el estudio, el estudio, y las ediciones lanzadas con los comentarios a cada una. Juan Carlos Garay, el melómano, nos cuenta todos sus encuentros con KIND OF BLUE, por que la música está ahí grabada e imperturbable, pero nuestra alma melómana como el agua de beber, siempre está dispuesta de manera diferente, el estado de ánimo resalta y opaca las notas, el disfrute nunca es igual.
Y no es solo nuestra opinión, es importante la impresión de otros melómanos, cómo conocieron el álbum, qué tema les quedó pegado en el recuerdo, las respuestas serán diferentes, porque todo es según el color del cristal con que se escuche, y eso mismo hace Juan Carlos Garay en la charla escrita de KIND OF BLUE, recurre a sus amigos y les pide la percepción de este vinilo, y así se va redondeando el conocimiento de una de las obras maestra del jazz.
KIND OF BLUE, es un libro bien editado, el tamaño es perfecto para trastear con el para irlo leyendo en el trascurso de un día con su noche, el texto es ameno, como una charla melómana.
sep-2024
LA FORMA EN QUE SUENAS - Juan Martín Fierro
Me sorprendió el título del texto final del LADO B de LA FORMA EN QUE SUENAS, el libro melómano de JUAN MARTÍN FIERRO, el texto, homenaje a Pablo Milanés a raíz de su partida, lo tituló LOS DÍAS DE GLORIA, una maravillosa y nostálgica canción de Milanés que habla de como se van pasando los días de gloria y no nos damos cuenta; el tema también le da nombre al álbum de Pablo Milanés del año 2000, once cortes que reflejan la vitalidad de Pablito, como si empezaran nuevos días de gloria con el nuevo milenio.
El libro LA FORMA EN QUE SUENAS, como los vinilos, consta de dos lados, el Lado A con entrevistas musicales de todos los mundos melódicos, y el Lado B con textos también musicales publicados con anterioridad por Juan Martin Fierro en diferentes medios. El libro no es dedicado a un solo género musical, salta de la salsa al jazz, se pasa por el pop y por el flamenco, y en todos los casos con una profundidad que nos lleva a descubrimientos musicales que nos alegran el alma melómana, como por ejemplo la lista que hace Papo Lucca de los solos que mas le gustan, o la fantástica vida de Teresita Gómez.
LA FORMA EN QUE SUENAS, también va más allá de la discografía del artista, nos lleva a conocer su lado humano y personal, permitiendo entender el sentimiento musical que nos regalan, o a veces no entenderlo como es el caso de Bill Evans.
Al final del libro, después de Los Días de Gloria, Juan Martín Fierro nos regala varios QR que nos llevan directamente a varios playlist los cuales podemos sonar mientras leemos, y el tiempo va pasando y nos vamos volviendo viejos.
2024-07-24
DEFINICIÓN DE JAZZ LATINO POR ANDY GONZÁLEZ
Resulta interesante la definición de Jazz Latino que nos da Andy Gonzalez, uno de los mas influyentes músicos del movimiento salsero y del jazz latino. La definición aparece en el prólogo que hace Andy del fantástico libro Jazz Latino - La combinación Perfecta de Raúl Fernández, publicado por Chronicle Books LLC en el año 2002.
En un corto pero contundente prólogo, Andy González define el jazz latino en las siguientes líneas:
Había una vez dos primos que tenían una abuela africana. Un primo se trasladó a los Estados Unidos donde, mientras conservó algunos aspectos de sus antepasados africanos, fue influenciado por las corrientes que formaron a la sociedad estadounidense. El segundo primo se mudó al caribe, donde conservó unos lazos más fuertes con sus raíces africanas. Después de muchos años los dos primos se reencuentran en la ciudad de Nueva York y empezaron de nuevo a juntar sus dos mundos musicales.
Nacido de otros dos géneros, el jazz latino se volvió algo completamente distinto y diferente. Evolucionó mas allá de solo mezclar los ritmos afrocubanos con el fraseo y los solos del jazz. Es posible que haya empezado de esa manera, pero ha profundizado mucho más. El jazz latino tiene que ver con desarrollar una sensibilidad de jazz hacía la música, su estructura, su swing, lo que implica que los músicos puedan conversar espontáneamente entre ellos a un nivel muy elevado.
Nada mas simple y claro que esta definición maravillosa que hace Andy González de lo que Él mismo fue protagonista y estudioso, Andy quien recorrió los orígenes de ambos primos de raíces africanas, los interpretó de manera separada y los fusionó con su propia visión del JAZZ LATINO.
JUL-2024
EN EL 23 DE LA 110
El incidente realmente sucedió, si, en Nueva York, pero no en el 23 de la 110 como todos cantamos cuando suena la versión de la Sonora Ponceña.
El maravilloso compositor y director de orquesta Arsenio Rodríguez, uno de los forjadores de la salsa, vivía en Nueva York cuando compuso Fuego en el 23, un tema que ya no hablaba de las palmeras, del campo o de las playas infinitas de su caribe natal, era una letra urbana de edificios cancerosos, poco a poco se iban entretejiendo los hilos de una nueva sonoridad que invadiría toda América. Ciego y maravilloso, Arsenio tenía una virtud casi sobrenatural para describir con música lo cotidiano, desde el Cachito pa' huele hasta las calamidades cotidianas de la ciudad.
Corría el año 1956 y en uno de los apartamentos del edificio donde vivía Arsenio Rodríguez se presentó un conato de incendio y toda la pipol empezó a gritar y a buscarlo, pero Arsenio mas habilidoso, ya había alcanzado la acera para ponerse a salvo, y quizás ya tenía en su cabeza al menos el coro pegajoso para una canción que relatara esta situación: "hay fuego en el 23, en el 23"
Y si, para principios de enero de 1957 Arsenio Rodríguez está en La Habana para el lanzamiento del elepé ARSENIO donde vienen temas tan valiosos como "mami me gustó", "Buena Vista en guaguancó" y el que se convertiría en un clásico de la salsa "Hay fuego en el 23".
Enrique Arsenio Lucca, Papo Lucca, arreglista mágico para la salsa, junto a su padre Quique, para 1969 estaban ya en tránsito de lanzar el segundo trabajo discográfico de la Sonora Ponceña; habían logrado un gran éxito en su primera grabación con "Hacheros pa' un palo" de Arsenio Rodríguez, tema que también le daba título al elepé. Esta vez vuelven a apostarle a Arsenio Rodríguez, sabían que la música del ciego maravilloso conectaba fácil con el público, y con el virtuosismo de Papo Lucca ya había un camino seguro para actualizar los arreglos a una nueva sonoridad que ya tenía un nombre concreto : LA SALSA. El segundo álbum de la Sonora Ponceña se titula Fuego en el 23 y con ese tema abren el álbum, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de la banda.
Al componer "hay fuego en el 23", Arsenio tuvo la intención de darle la mayor fidelidad al incidente que relataba, la Sonora Ponceña por el contrario se apegó mas a la melodía de la canción de tal manera que resultó mas sonora la primera frase modificándola así:
"En el 23
de la 110"
La letra original, compuesta por Arsenio, y como quedó registrada en la grabación original de "hay Fuego en el 23" fue:
"En el twenty three west
de la sixty fifth"
Fue en el 23W con 65th donde se formó la rebambaramba, donde nadie puede estar tranquilo.
2024-06
POR QUÉ CALI ES LA CAPITAL MUNDIAL DE LA SALSA? LA CALI DE LOS OCHENTAS
Antes de empezar la década del ochenta ya nos auto llamábamos la Capital Mundial de la Salsa, nos faltaba todavía pelo pa’ moño, si, pero José Pardo Llada, el cubano que se hizo caleño en 1974, que venía de la tierra del son y de la rumba, entendiendo cómo el baile era nuestra virtud y nuestro deleite, organizó ese año el primer campeonato mundial de baile de salsa, y usó el eslogan de Capital Mundial de la Salsa para promocionar el evento. Muchos años después a una cuadra del parque donde Pardo Llada plantó un avión se crearía la primera viejoteca, espacios reservados para la nostalgia del baile y que se multiplicaron por toda la ciudad.
A los ochenta entramos por la puerta grande de la salsa con el concierto de la Fania All Stars realizado el 9 de agosto de 1980, la Fania de ensueño, la de los posters, la de Celia Cruz, Santos Colón, Cheo Feliciano, Pete ‘el conde’ Rodríguez, Adalberto Santiago, Ismael Quintana, Héctor Lavoe, Rubén Blades y Luigi Texidor, para solo hablar de la delantera; el sueño de tener a este dream team salsero en Cali lo había realizado César Tulio Araque Bonilla, un extrabajador de Emcali, que se iría a Nueva York a buscar sus sueños, y llegó convertido en Larry Landa, empresario de artistas y cargado con mucha salsa.
Y también en los ochentas entraba a Cali para volverse inmortal una banda fundada en Bogotá por un músico nacido en Chocó, pero tan caleña, como el baile, el chontaduro, y la brisa que baja de Cristo Rey: El Grupo Niche. La banda de Jairo Varela, había lanzado en 1979 su primer elepé, ‘Al pasito’, pero fue con su segundo trabajo de 1981, ‘Querer es poder’, con el que logran cautivar a esta tierra bailadora, Buenaventura y Caney en la voz de Álvaro del Castillo se convirtió en un éxito arrollador que los llevó a ser invitados a la Ferial de Cali de 1981 y de manera ininterrumpida durante toda la década de los 80’s, ya que se encargaron de crear en estos años la banda sonora de los momentos más felices de los caleños. Y como dos genios no pueden convivir juntos en el mismo cuarto, en 1985 uno de los fundadores de Niche, el trombonista y arreglista Alexis Lozano arma su propia banda, la Orquesta Guayacán, imponiendo grandes éxitos que también nos recuerdan a esta Cali llena de bailadores y bailarines.
Por estos años Juanchito y la Calle Quinta se convirtieron en lugares míticos para el mundo salsero, en un lado y otro surgieron decenas de grilles, fuentes de soda, bailaderos de esquina y de salón, improvisados a veces en antejardines y andenes, porque el baile era el que invitaba a tomarse todos los espacios. Surgieron entre otros, entre muchos otros, El Escondite, El Abuelo Pachanguero, La Manzana, Concord, la Jirafa Roja, Juan Pachanga, Agapito. Surgía también en 1982 un espacio diferente a los demás, sin pista de baile y con más cerveza que aguardiente blanco, la Taberna Latina de Gary Domínguez, un espacio experimental para promover y resaltar esa otra gran pasión de los caleños además de bailar, coleccionar música, atesorar los vinilos y sus historias; semilla de lo que en menos de 10 años sería el Encuentro de Melómanos y Coleccionistas más grande del mundo que este año cumple su 30 aniversario. La Taberna Latina estaba ubicada sobre la Calle Quinta, y allí empezaron a congregarse no solo esa nueva especie de caleños llamados melómanos sino también los músicos que visitaban la ciudad y llegaban a contar sus historias y a improvisar jam sessions.
En los setentas se escribieron letras célebres para el cancionero dedicado a Cali, la Billo’s Caracas Boys con Mi Cali Bella, Piper Pimienta con Las Caleñas son como las Flores, y Las Caleñas con Pastor López; pero fue en los ochentas cuando se escribió el himno más grande a Cali, el que suena todos los años para anunciar que llegó diciembre y la Feria de Cali, el que nos recuerda en cualquier rincón del mundo nuestra identidad, y que además ha tenido el honor de sonar en los premios Oscar: Cali Pachanguero, con letra y música de Jairo Varela y vocalizada por una voz surgida y curtida en el barrio caleño: Moncho Santana.
El resumen de los ochentas lo hace el Grupo Niche recién terminando la década; en 1990 Jairo Varela escribe Cali Ají, resumiendo de una manera sencilla el sentir por esta Cali: “Si por la Quinta vas pasando, Es mi Cali bella que vas atravesando”, y luego en 1992 hará lo propio Guayacán Orquesta con ‘Oiga, mire vea’: Si va uste' a Juanchito la pasa bonito / Si va al barrio Obrero se vuelve rumbero.
La ciudad como ser vivo que es, muta y se transforma, somos otros y la ciudad es otra, la Calle Quinta es en las noches como un callejón oscuro colonizado por el insaboro crossover sin la identidad caleña que tuvo alguna vez, pero que quiere una segunda oportunidad en este milenio con los esfuerzos que hacen espacios rumberos como la Topa Tolondra y la Caldera del Diablo, pioneros de un nuevo tiempo en la Calle Quinta; la rumba de Juanchito se trasladó a Menga, y difícilmente surgirá otro Larry Landa que se invente carnavales del puente pa’llá.
Pero lo que sembró ya no se marchitará, se transformará y brillará de otra forma, pero mi Cali siempre seguirá pachanguero, siempre habrá alguien que te cante, que te mime y te baile.
2021-DIC-21
REFLEXIONES AL 30 ENCUENTRO DE MELÓMANOS Y COLECCIONISTAS
Reflexiones de Roberto Carlos Luján sobre el 30 Encuentro de Melómanos y Coleccionistas de Cali y seguidamente mi respectiva repuesta y aporte.
TEXTO DE ROBERTO CARLOS LUJÁN
30 años del Encuentro de Melómanos y Coleccionistas
Estas reflexiones están dedicadas a mis amigos y contactos en esta red social, a quienes experimentan como yo la nostalgia por la excelente programación de un evento en franco declive desde hace varios años en lo que a calidad musical se refiere. A quienes asistieron o escucharon a través de las emisoras virtuales la edición 30 de 2021 caracterizada por una programación sin propuestas, en la cual no parece existir, en el caso de algunos participantes, la distinción necesaria entre lo imprescindible por la calidad musical contenida en cada obra y lo prescindible por su clara intencionalidad comercial, esta casi siempre acompañada de pésimas practicas musicales, lo cual dista bastante de la calidad exhibida en las programaciones de los primeros años del evento.
Los melómanos de mi generación (menores de 50 años de edad) quienes asistieron a la primera edición en 1991 vimos nacer un evento que representaba una alternativa cultural para programar y/o difundir la música salsa en Cali. El evento surgió como una respuesta cultural a la perversa programación de las cuatro emisoras que en la ciudad solo difundían la mediocre producción de salsa tipo balada de intérpretes en pleno auge comercial. Ese propósito fue el que nos alentó para ir y enriquecer nuestra melomanía, nuestra musicalidad, y eso fue lo que nos ofrecieron los programadores de las salsotecas convocados para ese junte popular y de apropiación transitoria del espacio público en el Parque Panamericano. El respeto por la música y los músicos fue tal que el día 28 de diciembre en horas de la tarde cuando pasó por el evento el gran Larry Harlow, quien estaba de encargado de programar en los tornamesas suspendió los turnos y programó la canción ‘Señor salsa’, nombre de un álbum de Harlow, y así con la emoción desbordada de las pocas personas que estábamos, entre 30 y 50 personas no había más gente quien diga que había más personas falta a la verdad, porque hoy en día resulta que muchos melómanos aseguran haber estado en esa primera versión. Éramos algunos menores de edad, chiquillos emocionados y desbordados de alegría al ver por primera vez a nuestro héroe, cual adalid del salón de la justicia. Como olvidar a Harlow quien vestía una camisa floreada, con su cabello recogido y un reloj extraplano, y decidió tomar un micrófono y entre las canciones ‘Arsenio’, y ‘Tumba y bongó’, fue hablándonos de la figura e importancia de Arsenio Rodríguez, un verdadero masterclass. Conservo las programaciones de cada día porque asistía siempre con mi cuaderno y mi bolígrafo con el ánimo de aprender de quienes nos compartían lo mejor que tenían: su gusto y conciencia musical para programar salsa.
Los melómanos de esa generación somos los últimos de una serie de generaciones de melómanos que aprendió respetando los procesos, que no nos saltamos las fases de aprendizaje integral por las ansias de figurar. Aprendimos de diferentes maneras: a) valorando cada cassette y en el mejor de los casos los discos que conocíamos y podíamos tener en las manos para escucharlos una y otra vez; b) aprendiendo el abc de la salsa, la música cubana, el jazz estadunindese y el jazz latino, desde lo más conocido hacia lo menos difundido; c) aprendiendo en las rumbas barriales, en las cuales se programaba solo en elepés; d) escuchando la buena oferta de programas radiales; e) leyendo a quienes escribían sus columnas en los suplementos de los diarios de la ciudad, incluso algunas revistas internacionales; f) chequeando los videos; y g) asistiendo a las salsotecas para aprender de las propuestas de los programadores en la salsotecas quienes orientaban al oyente sobre lo más reciente de la producción salsera y del jazz latino.
Desde hace una década aproximadamente todo eso cambió por distintas razones, desde entonces una nueva generación integra la escena melómana salsera de Cali: bailadores en la mayoría de casos, quienes por las multiples posibilidades de acceso a la música que brinda la internet no les tocó vivir ese proceso. Toda la salsa que nos imaginemos está al alcance de un clic, así sin dificultad alguna, sin la espera necesaria entre las producciones de un artista para internalizarlas y reflexionarlas. En algunos casos se observa una transformación instantánea, transformaciones mágicas de la noche a la mañana: de bailadores a melómanos, algunos incluso se autoproclaman como coleccionistas, dee jays e investigadores…
Este estar ‘sin proceso’, este ‘llegué y pegué’ de una joven generación en la escena melómana de Cali tiene como características la ausencia de una educación musical mínima, la misma que se forja experimentando todas esas fases que nuestra generación vivió para lograr madurar una musicalidad melómana y forjar una apreciación musical básica que permita distinguir conscientemente entre lo relevante e irrelevante en términos de calidad musical. El proceso que vivió mi generación es fundamental para construir algo que se llama gusto musical, susceptible de educar, y que se obtiene escuchando mucha y buena música, durante años y años, así como estando en contacto con músicos internacionales que puedan orientar esa formación, pero esta joven generación tiene pendiente esa importante asignatura.
El panorama descrito es el que nos toca presenciar como asistentes en el Encuentro de Melómanos y Coleccionistas desde hace más o menos dos lustros. Al evento llega cualquiera hoy en día, cualquiera dirige, cualquiera programa, cualquiera coordina, parece no haber filtros. No es claro quien debe orientar los contenidos, trazar las directrices a seguir mediante las temáticas a trabajar.
Es fácil observar tendencias generalizadas en la programación realizada en los últimos años: a) ausencia de propuestas, muchos lugares comunes en la programación, pero eso es responsabilidad de quienes coordinan ellos deben orientar a los participantes para que en cada intervención se enriquezca a los asistentes, no se necesita tener miles de discos, se requiere tan solo gusto y respeto por los asistentes quienes esperan ser sorprendidos gratamente por la programación; b) las mismas temáticas de siempre, aunque no todo está perdido, al menos este año el acierto de la temática ‘Homenaje a las big band y jazz band’ reivindicó de alguna manera la memoria y propósito de 30 años del evento; y c) se programan muchas canciones que suenan en la radio comercial de Cali, sin advertir que el evento está pensado (bueno eso cree uno que se piensa el evento de alguna forma), precisamente para ser una alternativa cutural de valía, escuchar otro tipo de producciones, no la salida más fácil y acomodada de repetir lo más difundido. Respecto a este último punto es inminente la necesidad de un control de calidad, una revisión profunda de lo programado. El día 30 de diciembre a las 10:30 de la noche, se programó una canción del intérprete Junior Jein… ¡Sí, Junior Jein en el Encuentro! De no creer, ¿tiene algún sentido que esto pase en este evento?, ¿los asistentes nos merecemos semejante despropósito, de verdad?, pero esto pasa precisamente porque no hay un objetivo general, una misión y visión del evento, cualquier cosa está bien, los extremos se tocan… Si en un evento como el Encuentro, que parece no tener dolientes que se inmuten ante semejante desfachatez, suena la música de Arsenio Rodriguez y Machito y se programa a Junior Jein, algo no va bien, algo no está bien, algo está fuera de lugar. ¿Ante tanta buena música cómo es posible que esto suceda?, la respuesta es sencilla, el evento funciona en automático, no hay quien oriente el evento acorde a su valiosa historia.
El Encuentro es un evento que creo entender, tal vez soy yo quien está equivocado al pensar así, tiene como finalidad o intencionalidad principal promover la música de calidad que, por su calidad textual y desarrollos rítmicos, armónicos, melódicos e interpretativos es relevante y a su vez vehiculiza una profunda idea que fortalece nuestro acervo cultural… Pero no hay quien promulgue los criterios que oriente a coordinadores y estos a su vez a los participantes.
30 años del Encuentro de Melómanos y Coleccionistas… Mejor seguir recordando la ortodoxia de quienes por respeto a la música y a los asistentes en el pasado jubiloso más lejano del evento, contribuyeron a hacer grande nuestro Encuentro.
A todos los amigos, y particularmente a quienes integramos esa última generación que vivió y sigue experimentando el proceso de formación melómana, para algún día tener el oficio y ejercer correctamente la labor como melómanos, ¡un feliz año 2022!
RESPUESTA A ROBERTO CARLOS LUJÁN
Comparto gran parte de las opiniones que Roberto Carlos Luján, las cuales no deben dejarse de lado, ya que se trata de un melómano estudioso y reflexivo y su mayor interés es aportar para que el Encuentro de Melómanos no pierda su esencia, no digo “su norte” ya que ahora los puntos cardinales están importando más que la misma melodía.
Hace un importante análisis Roberto Carlos sobre la evolución de la forma de aprehender la música, y si, comparto su apreciación, realmente al tener todo el conocimiento de un artista a un click de distancia, así como su discografía, hace que se salten muchos procesos de aprendizaje, y se dejen de lado todos los aspectos que cubren la melomanía, que no es solo la música, tiene que ver con el entorno social, el arte gráfico, por mencionar algunos aspectos. Esta democratización del mar del conocimiento, valiosos per sé, tiene en la mayoría de los casos un centímetro de profundidad, ha permitido volver “melómanos” de la noche a la mañana a bailadores, bailarines, DJs, y a todo aquel que tenga un par de terabytes de archivos mp3, y la melomanía es saber y no tener; pero para no caer en la tentación del que todo tiempo pasado fue mejor, podemos decir que antes se autoproclamaban melómanos algunos que tenían la capacidad de comprar cientos de elepés, pero que no se tomaban el trabajo de la lectura juiciosa de los créditos por ejemplo. Prefiero esta democratización del conocimiento que nos da el internet a la petulancia de los que tenían los discos y solo los escuchaban con un grupo reducido de personas.
El punto más delicado diría yo es lo referente a los filtros que deben hacer los coordinadores y al “gusto” que debe tener el melómano para sorprender gratamente a los asistentes. A qué filtros nos debemos acoger? Cuál es el gusto que debe primar?, cuales estéticas si pueden participar y cuales no?, hay que recordar que la división que hay hoy entre los melómanos se debió al hecho que algunos personajes con más resentimiento e intereses políticos que deseos de aporte al movimiento salsero, consideraron perpetuados a los que quisieron de alguna forma conservar la ortodoxia que propone Roberto Carlos, de volver a las raíces del Encuentro. Pienso que la propuesta es sana y a ella me acojo, pero no veo fácil que se pueda lograr un consenso al respecto, siempre el que se sienta excluido, destilará veneno sobre el Encuentro sin dar aportes reales al mismo.
Cómo definir los filtros? Quiénes deben programar? Qué conocimientos se deben tener, se deben medir los aportes o escritos sobre salsa hechos durante el año? Muchos Djs serían excluidos, su función es poner a bailar a la pipol, realmente los que hacen un aporte integral de conocimiento musical no son muchos, y eso nos llevaría a tener un Encuentro de Melómanos casi cerrado sin posibilidad de conocer otros “gustos” musicales.
Respecto a la orientación de los participantes es más complejo aún. Definir cual es el “gusto” o la estética que se debe aceptar es demasiado subjetivo, lo único aceptable sería que los temas no fueran comerciales ya que para estos hay suficiente espacio en la radio privada, pero debe haber veto a los artistas? Por qué no puede sonar Junior Yein por ejemplo? El tema en cuestión, con el acompañamiento de Calibre, una de las bandas mas valiosas de la ciudad, tiene un mensaje social importante, además de proponer esa fusión del pacífico con la salsa, no es eso lo que queremos? Qué haya también más salsa made in Cali? Si la radio no los suena, por qué no pueden sonar en el Encuentro de Melómanos?.
Roberto Carlos ha dado puntos importantes que se deben analizar, para que en este 2022 el Encuentro de Melómanos de Cali sea un evento organizado y consecuente con sus objetivos, y primeramente hay que definir estos objetivos, y es aquí donde la ortodoxia y las nuevas corrientes deben encontrar puntos de encuentro.
Larga vida y prosperidad a todos en este 2022.
2022-Ene-02
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